皆さんこんにちは、今回のブログを担当します、土田麻織です。

気付けばもう第10回、これを書いている今は7月に突入してしまった(書き終えるころには7月も中盤に差し掛かりました、、、汗)ので、まもなく春学期のゼミも終わってしまうようです。

そうなるとちらついてくる期末レポートの数々、１か月後の自分がきちんとやり切っていることを願って、3週間前の授業についてまとめていきたいと思います。

前座

今回の前座は私が担当して、ARTMSという韓国のガールズグループの「Icarus」というミュージックビデオを取り上げました。

本当はARTMSの「Birth」という楽曲がミュージックビデオともに大好きで、これを紹介しようかなと検討していたのですが、直前にIcarusのMVが公開され、14分越えのcinema Ver.という超大作であったのでこれだ！と思い今回の題材を決めました。

詳しくは割愛しますが、神話モチーフの作り込まれた世界観は圧巻なので是非見てみてください。

ちなみに私が紹介しかけたBirthはMVも曲も不穏な雰囲気でゴシックホラー？のようなアイドルには珍しい楽曲でありながら素晴らしい作品なのでこちらもぜひ見てみてください。

それではこの辺りで授業内容に移ろうと思います。

3限

ジャンル批評、読者反応批評

3限の担当はジョウくんでした。

ジャンル批評

ジャンル批評とは、その名の通りジャンルに関連する諸問題を扱う批評で、隣接するジャンルと比較することでジャンル構造を分析することが出来る手法です。

今回の章では、『フランケンシュタイン』は複数のジャンルに分類出来ると紹介されています。前回、様々な間テクスト性があることを学んだのでこれは当然のこととも言えるでしょう。以下に取り上げられていたジャンルをまとめてみます。

・ロマン主義

自我や個人の経験、無限なるものや超自然的なものを重視する思潮。

ロマン主義文学としては、自然の原始的な力や、人間と自然の精神的交流に対して鋭い直感を示すものが特徴として挙げられる。

『フランケンシュタイン』では、恐怖、無限なるもの、超自然的なものがテーマそのものであり、旅や幼少期の回顧、愛の挫折、追放なども代表するモチーフである。

・ゴシック小説

本来の目的は「留まることのない恐怖によって、読者の血を凍らせること」であり本来は「逃れようのない不安」をモチーフにしている。

『フランケンシュタイン』では恐怖を主題に不気味な描写や陰惨な出来事など、ゴシック小説風の道具がふんだんに使われている。また、フランケンシュタインと怪物の運命が同一化してくることから、分身の主題が浮かんでいる。

・リアリズム小説

人生を客観的に描写して、物事をあるがままの真の姿で捉えようとする芸術上の信仰。人間を個としてのみならず人間関係において描く特徴がある。

出来事に蓋然性を与えようとする作者の態度が『フランケンシュタイン』には見られる。

・サイエンスフィクション

通称SF　空想上の科学技術の発展に基づく物語。科学によって想像されたものが予期せぬ結果を招くことはSFお決まりの筋書きである。

新しい生物が製造されるという新奇なアイデアと結末から『フランケンシュタイン』は最初の本格的なSFとして位置付けられる。

このように紹介されていました。

ここまで読んで、ジャンルを分類してそこから何ができるのだろう、と考えましたが、先生がしてくださった「レンズの入れ替え」の例えが分かりやすかったです。Aのレンズを入れた時ある映画はA‘と見えますが、Bのレンズを入れた時B‘という新たな一面を見ることが出来ます。

ジャンルというレンズを入れ替えることでその作品の新たな面を知ることが出来るのです。

読者反応批評

続いて読者反応批評です。

こちらはテクスト自身が意味を持つ主体ではなく、読者に読まれることによってテクストが存在する考え方です。読者のテクストに対する異なる反応に着目したり、テクストが読者に与える影響に焦点を当てたりする手法です。

この場合の「読者」とは、テクストに活発に関わり、テクストとの共同作業によって意味を生産する存在です。読者はテクストを通して、自分自身を象徴化して再現するのです。

文学表現は「修辞的な示し方」と「弁証法的な示し方」が存在していて、読者反応批評は、読者を刺激して自分で真実を見つけようと挑みかける後者を研究対象としています。

ドイツのヴォルフガング・イーザーは特にテクストに含まれる空隙や空白の文学的価値を指摘して、読者はこれらを埋めようとするため、そこに読者を刺激する働きがあると述べています。

読者反応批評を『フランケンシュタイン』に当てはめると、まずは作中の「読む」シーンに注目することが出来ます。物語内の読書シーンでは登場人物の反応と同じテクストの自分の反応を比較します。

また、手紙を読むという行為からも分析することが出来ます。書簡体形式の小説には「含意された読者」が想定されていて、物語の受け手の立場に立って、読者はその手紙を読むことが出来るのです。

そして入れ子構造のテクストは、物語の中心部と手紙の不在の受け取り手との外側の余白との間を読者に移動させる効果があります。つまり、不安定な語りの枠組みによって、読者は反応を促されつつ、テクスト内に範囲を位置付けられることはないため、押しつけ構造に反抗しながら、自らの読みを生み出すのです。

このようにして、読者はテクストの境界を超える強力なエネルギーを持っている、と言えるのです。

４限

ジャック・デリダ『根源の彼方に−グラマトロジーについて』

4限の担当は藤田くんでした。

今回の課題文は、ページ数は少ないものの難解で何度読み返しても意味をつかみきれなかったので、いろんなものを参考にしてみました。

プラトンやヘーゲル、ソクラテスといった哲学者たちはパロール、つまり音声言語を中心とする音声中心主義的な考え方をしていました。書き言葉よりも話し言葉が先行すると考えで、パロールを現前させるものは意識に依存した「存在」であるということです。

ジャック・デリダはこれを否定します。パロールを支える「存在」は不安定なものであり、一概にパロールが優れているとは言えない、ということです。

本文では音声中心主義を脱却しようとした「新しい事態」について、努力があっても陽の目も見ることが出来ない、統一を決して決定することが出来ない、領域の限界を決めることも出来ない危険性があると述べられています。

デリダは、パロール(音声言語)とエクリチュール(文字言語)はどちらが優れているのか、を論争することに疑問を投げかけ、グラマトロジーと言う概念を提示しました。これは、音声言語が文字言語に先行しているのではなく、思考が文字言語に先行したものであるということを意味します。ここに音声言語と文字言語の脱構築がみられるのです。

本文に「未来は、構成された正常性とは絶対的に縁を切るものであって、それゆえ、一種の畸形としてしか自身を予告し現前させることができない。」という文があり、この「畸形」について議論を交わしました。

「畸形」以外にも差別用語は多々ありますが、これらは「正常」という概念があるから、誕生して使われている言葉なのです。かといって全てをひとくくりにしてみんな同じだよね、とすることもよくないのです。

蔑まれてきたエクリチュールに光を当てつつ、いわゆる畸形側が声を上げ続けない限り「正常」と言う概念は「正常」のままであるし、対等にもなれません。

このようにして難航した議論は終着しました。

この話を聞いて、私は朝井リョウさんの『正欲』を思い浮かべました。じっくりと理解してこの理論を使えるようになりたいと思います。

以上で今回のブログを締めたいと思います。

次週は春学期最後のゼミです！早い！そしてわたしは最終回の授業もブログ担当です！なんと！

ここまでお読みくださりありがとうございました。春学期最終回のブログでお会いしましょう～

こんにちは！就活、バイト、そしてゼミに追われて、思考停止の状態になったジョウです。

最近いきなり暑くなりましたよね。 この間まで肌寒かったのが嘘みたいで、身体がついていきません…！そんな酷暑の中、僕が必死に取り組んでいた就活で、忘れられない体験をしたわけです。

みなさんも経験があるかもしれませんが、グループディスカッション（GD）って独特の緊張感がありますよね。先日、とある外資系企業の選考でGDに参加したときのこと。

他の人の意見に対してどう思うか聞かれた、あるグループメンバーがこう言ったんです。

「アグリーです！」

え、アグリー！？ 突然の横文字に驚きつつも、「ここは普通に『賛成です』で良くない！？」と、心に思ったんですが、外資は全部そういう感じでしょうか？

その後も「コンプリヘンシブの考え」とか「ミッシー」みたいな横文字に浴びて、語彙力がボロボロであることを強く意識しました。もっと勉強しなきゃと痛感した一日でした。

ここからはゼミの真面目な話に入りたいと思います！

前座

今回の前座担当は私でした。

前回の前座と同じようにまた映画を用意してきましたが、全く別ジャンルの映画なのでぜひ見ていただきたいと思いますが、まず簡単な紹介させていただきます。

今回取り上げた作品は『インサイド・ルーウィン・デイヴィス/名もなき男の歌』です。劇場公開は2014年、当時台湾で初公開で観ました。私は元々ギターやアメリカンカルチャが好きだったので、すぐ主人公の物語に共感できました。希望に満ちた1960年代のニューヨークに、アメリカンドリームが実現できた人と実現できない人がいました。その物語を、音楽の形で表現するのはこの映画の特徴です。ぜひチェックしてほしいのですが、本作のサウンドトラックも非常に素晴らしいですので、曲でもぜひ楽しんでいただけたらと思います！

３限　結末、伝統的批評、透明な批評

3限は、土田さんが『批評理論入門』について発表してくれました。テーマは「結末」「伝統的批評」「透明な批評」でした。

まず、「結末」の部分です。みなさんは小説を読むとき、どこに一番ワクワクしますか？ 私はやっぱり、散りばめられた伏線が回収されて、物語が結末にたどり着いた瞬間が、最高の醍醐味だと感じます。

発表でもあったように、この「結末」には大きく分けて2つの種類があるそうです。

・開かれた結末 はっきりとした結末を描かず、その後の展開や物語全体の解釈を、読者の想像に委ねるタイプの結末です。例えば、 映画『インセプション』のエンディングが有名です。あのコマは倒れたのか、それとも…？と、観た人それぞれで解釈が分かれるような終わり方です。「主人公は、この後どうなったんだろう？」と考えさせられる余韻が残ります。

・閉じられた結末 物語の謎や問題がすべて解決され、明確な終わり方が示される結末のこと。一番イメージしやすいタイプは、「めでたし、めでたし」ではっきりと完結するものです。 （発表にあったように、ハッピーエンドや悲劇的な結末、意外な結末なども、このカテゴリに入ります）例えば、鬼を退治して宝を持ち帰る桃太郎や、犯人が明確に示されるミステリー小説などが挙げられます。

次に、「伝統的批評」と「透明な批評」です。ここから、『批評理論入門』はようやく「批評」の部分に入っていきます。

伝統的批評は一言でいうと、「この作品を本当に理解するためには、作者がどんな人で、どんな時代に生きていたかを知ることが重要」ということです。発表によると、その考え方では、作品は「作者が何かを伝えたくて作ったもの」と解釈できます。学校の国語の授業ではよく、「この一行に込められた、作者の当時の心境を答えなさい」といった問題は結構あったはずです。あれは、伝統的批評に近いアプローチに近いです。

一方、透明な批評は、作品世界と読者世界の間に存在する壁がないように、テクストにフォーカスして論じるスタイルです。それに対して不透明な批評は、テクストを客体として見て外側に立って分析する方法を指します。ここも例を付け加えると理解しやすいかもしれません。例えば、『走れメロス』という作品を上記の二つの批評方法で分析していきますと、

透明な批評：（心理描写）「ああ、もう間に合わないかもしれない…」心にある疑念や人間的な脆弱さが何もメロスの足を止めようとする。その葛藤は、まるで自分自身のもののように胸に迫ってくる。→読者がメロスの気持ちになって、物語を体験できるような感じです。

不透明な批評：作者が本作を執筆した背景を考えると、彼自身の友人関係や裏切りに対する葛藤が投影されているという指摘もあります。このように、本作は単なる友情物語としてだけでなく、作者の思想や当時の社会状況を反映したテクストとして多角的に分析することが可能です。→このように、作品を一歩引いた場所から、作者の背景などを手がかりに分析するのが「不透明な批評」の一例です。

（個人的には「不透明な批評」に対して、あれ？と思ったのが、「伝統的批評」と似ていると思いましたが、「伝統的批評」は、作品を客体として外から分析するという点で、広い意味では「不透明な批評」の一種と考えることもできそうです。）

４限　「読む」が物語を完成させる！イーザー「行為としての読書」

４限にて、井上さんはヴォルフガング・イーザーの『行為としての読書』発表してくれました。

普段、私たちが何気なく読書の行為を繰り返しているかもしれないのですが、その時、読者としての我々は頭の中では一体何怒っているんだろう？という深くて面白いテーマでした。

まず、イーザーの理論のビックリするような結論から申し上げますと、 それは、「テクストは、読者が意味を作り上げて、はじめて完成する」っていう考え方です。

つまり、本棚に置かれているだけでは、物語はまだ「未完成」の状態。読者がそれを手に取り、ページをめくり、頭の中で意味を組み立てていく作業を経て、ようやく一つの作品として完成するらしいです。授業の議論で先生がご提示した例はすごくわかりやすかったです。

同じ安部公房の小説を読んでも、僕（ジョウ）が受け取るものと、先生が受け取るものはきっと違います。それは、僕と先生という「受容体（読者としての異なる考え方）」が違うからです。それぞれの期待や記憶が違うことで、最終的に頭の中に生まれる作品のイメージ（＝相関体）も、全く別のものになるのです。

そして、井上さんも「理解に自信がない」と問題提起してくれた 、もう一つのキーワードが「遠近法」。

これも、授業の議論で「なるほど！」になりました。

これは元々絵画で使われる美術用語でして、 二次元の平面に、あたかも三次元の奥行きがあるように見せる技法らしいです。

これを文学に持ってきたのが、イーザーの面白いところではないかなと思いました。 僕たちはただ平面に並んだ文字の列を目で追っているだけなのに、読み進めるうちに、頭の中で登場人物が生き生きと動き出したり、性格が見えてきたり、物語の世界が立体的に「膨らんで」見えたりしますよね。

二次元の文字テクストから、三次元的なイメージや世界が立ち上がってくる不思議な感覚。これを、イーザーは「遠近法」と呼んだわけです。読者は一つの視点に留まらず、テクスト内の様々な「遠近法」を移動しながら、作品世界を構築していきます。

読書って、ただ文字を受け取るだけの受動的な行為ではなく、読者である我々が積極的に意味を作り上げていく、すごくクリエイティブな「行為」なんだなと、改めて感じました。

ということで、今回はこのくらいにして終わりたいと思います。また次回でお会いしましょう！

こんにちは！
第7回目のブログを担当します、藤田雄成です。

今回は私の2回目のブログですね。授業から随分時間が経ってしまいました。次のブログ担当を待たせることになるので、できるだけ早く書けるように頑張りたいと思います！（井上さん、ごめんなさい汗）

では早速、授業内容に入っていきます。

前座

今回の前座は私が担当しました。私は今回「読書で風を感じる」と題しましておすすめの本を紹介しました。紹介したのは「一瞬の風になれ」佐藤多佳子、　と「風が強く吹いている」　三浦しをん、です。
どちらも陸上部をテーマとした作品で前者は高校の短距離走を主に扱っていて、後者は大学の箱根駅伝をテーマとしています。この本を読んだきっかけは私が陸上部だったからです。特に「一瞬の風になれ」は、主人公がサッカーから陸上に転身をしている過程が私と重なって、非常に熱中して読んだことを覚えています。陸上競技に関する知識があったほうがより楽しめるとは思うのですが、知らなくても全然おもしろいのでぜひ読んでみてください！

3限

3限は井上さんが批評理論入門の「反復」「異化」について発表してくれました。

反復

この章では反復についての説明の後にフランケンシュタインの物語内でどのように反復が用いられているのかが述べられています。
まず、フランケンシュタインでは「死」が反復されています。たしかに物語を見てみると多くの死があり、キャロライン以外はすべて悲惨な死を遂げています。ここで内藤先生の反復をみることも大事だが
その反復から外れたものをみることも重要という指摘があり、なるほどなと思いました。例えば上記であげた死について、なぜキャロラインだけは悲惨な死に方をしないのか、という問いを考えてみると面白いかもしれません。
また、死という出来事だけでなく、話の筋や人物の境遇などにおいても反復が見られます。さらに物語単位でなく、もっと小さな言葉の単位でも反復がみられます。例えばフランケンシュタインでは「破壊」、「運命、「魂」、「敵」、「創造」、「神秘」などの言葉がしばしば反復されています。

異化

この章では異化についての説明の後にフランケンシュタインでの異化がどのように用いられているのかが述べられています。
実は前に4年の先輩方が一番議論が難しかったのが異化、といっていたのでびくびくしていました笑　
実際に見てみると、あれ、簡単じゃね？と思ったのですが、先輩方の言った通りそううまくはいかず…
まず、異化という概念についてですが、普段見慣れた事物からその日常性をはぎ取り、新たな光を当てることをいいます。この概念について私はかなり理解しているつもりだったのですが、授業内で先生がおっしゃった話をきいてまだまだ理解が浅かったと思い知らされました。その話とは一見異化になりそうに思ったものでも、多くの人が事物に新たな光をあてはめられなければ、それは異化とはいえないのでは、ということです。文章で書くとより難解になっちゃった気がします笑。でもそのくらい奥が深い概念ということですね。
この章ではさらにフランケンシュタインでは怪物の語りによって人間が異化されることや言葉も生かされることが述べられています。

4限　ヴィクトル・シクロスキー　「手法としての芸術」

4限は土田さんが発表してくれました。
今回の文章は個人的に読みやすかったのですが同時に異化というものの奥深さを知りました。
まず、この文章の始めではポテブニャーのイメージなくして芸術は存在しないという考えについて述べています。そしてそれが本当に真であるのかという問いが立てられ文章が展開していきます。今回の議論でまず、話題になったのが創作エネルギーの節約についてです。創作エネルギーの節約とはエネルギー消費を最小限に抑え最大限の効果をもたらすことの追及です。つまりこの節約がされないと異化というものがあらわれてくることになります。
この文章では詩的言語と実用言語の違いも説明しており、詩的言語は実用言語などとは違い、知覚を自動現象から引き出すために創造されたものであるとしています。このように自動化されたものを呼び起こし、事物を直視する（異化によって）ということが詩、または芸術にとって重要いうことが述べられています。
私はこの文章を読んでハッとさせられました。なぜなら周りにある事物を見ているようで実は見ていなかったと気づいたからです。そんな当たり前になっているものを捉え直すことが芸術の素晴らしいところの一つだと感じました。

やっぱり授業をやってから時間が経ってしまうと内容を思い出すのも大変になってしまいますね。冒頭にも書きましたが授業が終わったらできるだけ早く書けるようにしたいです。

最後は有名なあの映画の悪役の言葉で締めたいと思います。
では今回はこのへんで！

「争い続きのイタリアではルネサンスが開花した。スイスでは500年の民主主義と平和で鳩時計どまりさ」
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　第三の男　ハリー・ライム

こんにちは！今回のブログを担当します、土田麻織です。

4人で回しているため、早いものであっという間に2度目がやってきました。

木曜日のゼミを基準とした一週間の流れにはだいぶ慣れたものの、取り組む内容に関してはまだまだ試行錯誤、右往左往、暗中模索している今日この頃です。

それでは早速授業内容に移ります。

前座

今回の前座は私が担当しました。紹介したのは、バカリズムさん脚本のドラマ『ホットスポット』です。このドラマは今年の1月から日本テレビで放送されていた作品で、Huluやネットフリックスでも見ることが出来ます。

この作品は「地元系エイリアンヒューマンコメディ―」というキャッチコピーを掲げています。富士山の麓のとある町で暮らす主人公が宇宙人と遭遇して、不思議な出来事が起きたり起きなかったり、、、？と言ったまさに「地元系」の「エイリアンヒューマンコメディ」なのです。

まず、バカリズムさんの脚本なので女子会雑談のテンポが最高で、小ネタ満載でとても面白いのが魅力です。私はこの会話劇にまんまとハマり、同時並行でバカリズムさん脚本の『ブラッシュアップライフ』と『架空OL日記』も一気に見てしまいました！

そして、衣装やセットがかわいいところも私のおすすめポイントです。主人公を含めた幼馴染3人組はよくランチ会をするのですが、回ごとにみんなの衣装の色味が統一されていてとてもかわいいのです！主人公が働いているレイクホテル浅ノ湖の制服も赤色で昭和レトロな雰囲気がとてもかわいくて視覚的にも楽しめる作品です。

ほっこりできてくすっと笑える楽しいドラマなので、見ていない方がいたらぜひご覧ください！

長くなってしまいましたが本題に入ります。

3限　「声」「イメジャリー」

今回の3限はジョウくんが担当して、廣野由美子さんの『批評理論入門』から「声」と「イメジャリー」の2つのテーマについて学びました。

声

作品における「声」の存在は、読者に語り手の意思を推測したり、登場人物の考えを予測させたりする影響を与えるそうです。

ロシアの批評家ミハイル・バフチンは、小説言語を示す際に「モノローグ」と「ポリフォニー」という二つの概念を用いました。

「モノローグ」は独白を意味して、作者の単一の意識と視点によって統一されている状態を指します。

「ポリフォニー」は対話を意味して、多様な考えを示す複数の意識や声がそれぞれ独自性を持ったまま互いに衝突する状態を指します。

「ポリフォニー」はあらゆる小説に当てはまるものであり、多様な文体や声を取り込み、多性的なメロディを織りなす文学形式であるのです。

実際に『フランケンシュタイン』には複数の語り手が存在していて、それぞれの独立した声が衝突している様子が見られました。

例えば、フランケンシュタインに宛てられたエリザベスの手紙。病に倒れたフランケンシュタインを心配して書いた手紙の後半には世間話が綴られています。彼女の地域の人たちのうわさ話のほとんどが結婚にまつわる話なのです。ここから著者の廣野さんは、エリザベスの「声」を通して彼女自身の想い、つまりフランケンシュタインと結婚したいということがほのめかされていると指摘しています。

このように考えると、一見物語にはあまり関係のないように見える描写もそれは実は登場人物の本心であり心の声なのではないか、と検討することが出来るのでしょうか。

読書の幅が広がった気がします。

イメジャリー

ある要素によって、想像力が刺激されて視覚的映像などが喚起される場合、そのようなイメージを喚起する作用を「イメジャリー」と呼びます。

イメジャリーにも様々な働きがあり、使われ方がそれぞれ異なるため、私たちはそれらの働きを使い分けられるようになるまで理解を深めることに努めました。

以下がイメジャリーの働きです。

・メタファー(隠喩)：A≒B

　例）白雪姫…雪のように白い姫、あることを示すために別のものを提示してそれらの間の共通性を暗示する

・メトンミー(換喩)：A＞B　全体と一部の関係

　例）赤ずきん…赤ずきんと聞くと我々は童話のあの「赤ずきん」を思いだすが、赤ずきんと言う言葉は単に赤い頭巾である。あの「赤ずきん」は赤い頭巾をかぶった女の子

・シネクドキ(提喩)：A⇊B　具体と抽象の関係　上下移動が生じる

　例）花見…花という抽象的な言葉で桜という具体的な言葉を指す

・シンボル(象徴)：ある意味を持つ記号、表象

　例）鳩は平和の象徴…鳩と平和に類似性はないし、鳩である必然性はないものの猫など他のものに置き換えることも出来ない

・アレゴリー(寓意)：具体→抽象　　具体的なものを通じて抽象的なものを暗示すること

　例）ジョージ・オーウェル『動物農場』…人間の支配に反抗した動物たちが自分たちの理想郷を作ろうとするが、最終的には支配階級のブタが独裁を始める。

→冷戦後のレーニンやスターリンの主導したソビエト全体主義の批判

今回の章では『フランケンシュタイン』の中で用いられているイメジャリーにについて、「月」と「水」が挙げられていました。

月は「象徴」の役割、ギリシア神話において女性のシンボルとして扱われているため、母性を意味します。そこから、狂気や想像力、詩的霊感、純潔と無節操、多産と不妊など、月は様々なものの象徴として使われています。

作中では、フランケンシュタインが怪物を始めとする人造人間を制作する行為を「出産」と考えた時、月明かりに照らされる情景描写から月の母性を象徴とする役割が裏付けられています。

『フランケンシュタイン』で用いられているイメジャリーについては「水」も挙げられています。湖や海は死を象徴とする場として、一方でライン川や新婚旅行に船で出かけた時など、美しく幸せな描写にも水は用いられています。この時の「水」は忘却や浄化を象徴しています。

このように様々な対象物がある事柄のイメージを喚起するものとして作中に登場しているのです。

4限　『ドストエフスキーの詩学』ミハイル・バフチン

4限は藤田くんが担当しました。課題文はミハイル・バフチンの『ドストエフスキーの詩学』です。

この文章を理解するため、そしてブログの執筆が円滑になるようにとこの機会に『罪と罰』を図書館で借りてみました。まだ途中なのですが、バフチンの言っていることはこういう部分からきているのか、と見当がつくようになったので、また読了したらこの文章に帰ってきたいと思います。

この文章では、ドストエフスキーの作品は従来のモノローグ的小説を破壊していて、ポリフォニー的な世界を構築しているというテーマで展開されています。

従来のモノローグ的な小説では主人公は作者の言葉の客体として在るけれど、ドストエフスキーの作品の主人公は、自らを作った者、つまり作者と肩を並べ、創造主に反旗を翻す能力を持つような自由な人間である、と述べられています。

「真実はいつもひとつ！」と声高々に言っている名探偵コナンは紛れもなくモノローグ的であり、シェイクスピアなど悲劇性を出す作品はポリフォニーが使われています。今回は、モノローグの状態とは具体的にどのようなことなのか、例文をそれぞれで考えながら議論を展開していきました。

この二つの違いをはっきりと理解したうえでどちらが好きか？という話になったのですが4人ともモノローグ的な作品が好みなようでした。

今回の文章は比較的読みやすかったものの、内容を深堀していくと理解しきれていない部分や疑問点が浮かび上がってきて、納得するために白熱した議論が繰り広げられたと思います。

おわりに

ここまでお読みいただきありがとうございました。

3限で扱ったイメジャリーで水についての記述がありましたが、私が2年春学期の内藤先生ゼミの期末レポートで同じように水は何を表しているのか？というようなことを書いたことを思い出しました。「メタファー」という言葉を使っていたような気がしますがあれは「シンボル」だったのではないか、といまさらながら不安になっています。AはBのメタファーという言い回しを気に入っていたのですが、あれは全部微妙に違っていたのかも、、、。

余談ですが、前座で紹介した「ホットスポット」作中の宇宙人は、能力を使い消耗した部分を温泉で癒すという特性がありました。温泉も水なので、考え方によっては何かの象徴かもしれないですね。ただ単に温泉＝リラックスの意味かもしれませんが。

イメジャリーの理論は好きなので、今回の授業を経て正しく使えるようになっていることを願って今回のブログを締めたいと思います。

長いブログにお付き合いいただきありがとうございました。また次回お会いしましょう。

はじめまして、11期生4回目のブログを担当します、ジョウ　コウゲンです！

ブログっぽい文を、中学校くらいに趣味で書いたことはありますが、ちなみに投稿閲覧数は8人という惨めな結果でした。読みやすく内容が充実なブログが書けるかどうかと心配する部分もありますが、頑張ってみます！

11期生の中でも、内藤ゼミに入った理由はそれぞれですが、私が内藤ゼミに入ったのは、ある種必然的な結果だと考えた瞬間は、何回もありました。すでにお察しかもしれませんが、私は日本語のネイティブではないです。だから逆に、私が1年生の時内藤先生が担当されている日本語表現＋基礎ゼミの授業を乗り越えてきたことに不思議としか思えません。ゼミも過酷だと聞いてますが最後までやり遂げたいです。

さて、本題の授業内容に入っていきます。

前座

今回の前座も私が担当し、角田龍一監督の作品『血筋』を取り上げました。監督名と映画どちらも知名度が低いのですが、私がこの作品を推した理由は、「監督自身が映画の登場人物にもなっている」ということです。ドキュメンタリーのイメージが強いのに関わらず、実話だと考えられないほど、意外な展開が満載されています。物語のテーマも、アイデンティティ・家族といった受けやすい内容私個人にとって魅力的な内容でした。予告編がYoutubeで視聴できますので、ぜひご覧になってください！

３限　批評理論入門　「性格描写」と「アイロニー」

３限の発表担当は土田さんでした。今回のテーマは、「性格描写」と「アイロニー」についてです。

性格描写

この章では、主に性格描写の定義や手法、加えて性格描写が物語に対する影響について述べられています。

まず、性格描写の対象は、小説の登場人物に対して行う行為であり、「批評理論入門」の作者廣野さんは、性格を示さずに物語をうまく語ることは不可能であるとされています。登場人物同士の性格を示し、比較することによって主人公と物語及び結末な関係を明確にすることができるそうです。また、小説における性格描写の方法は自由度が高く、内面と外面からどちらでも描けるといった特徴を持っています。ここで「小説は性格描写をするの最適な媒体か」との議論を挟みましたが、私の答えだけがみなさんと違ったことに若干驚いていました。確かに、小説は具体的な視覚的映像とはなかなか結びつかないため、内的焦点化を用いた表現は小説に適していると言えます。しかし私は、映画もまた、俳優の表情や仕草、映像や音楽といった独自の表現を駆使することで、小説とは違うアプローチの「内的焦点化」が可能であり、豊かな性格描写ができるはずだと考えたのです。

最終的に、私たちの議論は「どちらが優れているか」という単純な結論には至りませんでした。むしろ、「内面の葛藤を言葉でじっくり描くなら小説、俳優の演技や映像の力で直感的に性格を伝えるなら映画」というように、それぞれに得意な表現方法がある、という面白い結論にたどり着きました。媒体の特性を理解することで、作品の見方も一層深まりますね。

次に、先生がおっしゃった「役割があるからこそ人間には性格がある」という考えについて、みんなで議論しました。
人間にはさまざまな性格がありますが、その性格は、担っている社会的な役割によって形づくられるという指摘に、私は強く共感しました。例えば、人が何の役割も持たなければ、一定の枠組みや規範から自由になりすぎてしまい、かえってその人の性格が見えにくくなるのではないかと考えました。

続いて話題になったのが、土田さんからの「物語の結末は、キャラクターの性格によって決まるのか？ それとも結末のために作者が性格を操作するのか？」という問いでした。これはまさに、創作における「鶏が先か、卵が先か」の問題。議論は主に二つの意見に分かれました。

一つは土田さんの意見で、「結末が先にある」という考え方です。あらかじめ決めたエンディングに向かって、作者が登場人物の性格を調整していく、という考えでした。

一方、私個人の意見として、そもそも作品の構造を考える時に、作者自身も最初から明確な結末を知らないことが多いのではないないでしょうか。そのため、結末に合わせて性格描写を調整するというより、むしろ登場人物の性格や行動が、物語を結末へと導いていくのだと思います。

もちろん、どちらが正解というわけではなく、非常に興味深い議論でした。

アイロニー

続いて、土田さんがアイロニーについて発表してくれました。

授業の前に「アリロニー」という言葉について調べましたが、以下『大辞林　第四版』より抜粋した内容です。

アイロニー【irony】 ① （修辞法の一つ）非難・風刺などのために、心に思っていることと反対のことを（しばしば称賛などの形で）言うこと。皮肉。反語。

非難、風刺、皮肉などの要素を含んでいる言葉であり、実際、土田さんの発表を聞いて、「アイロニー」を一意的に解釈することができないと実感しました。

発表の内容によってアイロニーは主に三種類だとカテゴリー化されています。

・言葉アイロニー→言葉と本音が逆になった状況

・状況アイロニー→現実と期待が逆になった状況

・劇的アイロニー→読者が理解しているが、登場人物が知らない状況

「言葉アイロニー」と「状況アイロニー」は、文学作品だけではなく、いわゆる日常的にも多用されるアイロニーだと言えるでしょう。例えば、デートに2時間も遅刻した相手に、満面の笑みで「随分早かったんだね！」という（本音：遅すぎるだろ！）というのが、一般的な言葉のアイロニーです。

一方、劇的アイロニーは、語り手における「神の視点」に近く、主に表象作品の中に見られます。例えば、『タイタニック』では、観客は船が沈むことを知っていますが、登場人物たちは「絶対沈まない船だ！」と希望を満ち溢れています。その状況では強烈なアイロニーを生み出します。

ちなみに、私が考えた多数なアイロニーが存在している作品は、『レ・ミゼラブル』でした。

４限　ウラジーミル・プロップ　『昔話の形態学』　物語の31機能

4限は、井上さんが発表してくれたウラジーミル・プロップの『昔話の形態学』を巡って、さらに議論が深まりました。

この理論には物語を構成する「31の機能」があるのですが、時間の関係で、みんなが疑問に思った機能に絞って話し合いました。

まず面白かったのが、31機能における「贈与者の第一機能」の定義です。「贈与者」と聞くと、主人公に不思議な道具をくれる優しい魔法使いのような、ポジティブな存在を想像しますよね。しかしプロップの理論では、必ずしも善良な存在ではないというのです。

先生によると、私たちが読んでいる日本語訳は、原文のロシア語からではなく英語からの翻訳であるため、訳者の解釈などが入り、原文のニュアンスと少しずれている可能性があるとのこと。言葉の奥深さを感じる指摘でした。

続いて議論の的になったのが、31機能の一つ「⑰ 標付け」でした。 これは、主人公が体に傷を負ったり、何か特別な印を付けられたりする機能のこと。では、物理的な印だけでなく、精神的な記憶や経験も「標付け」になり得るのでしょうか？

議論の前提として、「標付け」とは、 １）主人公が物語の結末まで持ち続ける「しるし」であること ２）その「しるし」が、後の主人公の証明や行動の支えになること という条件が挙げられました。

ここで、私はカズオ・イシグロの作品『日の名残り』を例として挙げました。

この物語における「標付け」とは、主人公の執事スティーブンスが体に負った傷ではありません。それは、彼が最後まで決して手放すことのなかった「今は亡き主人ダーリントン卿に仕えたという記憶と、執事としての“品格”」という、精神的な誇りそのものです。

この「品格」という見えないしるしは、彼の行動を支える支柱であり（条件２）、彼は物語の最後までその価値観を抱き続けます（条件１）。

おわりに

最後までお読みいただき、ありがとうございました。

今回、ゼミでの議論を一つの記事にまとめるという、初めての執筆に挑戦しました。議論の中で出てきた抽象的なアイデアや感覚を、具体的な言葉にしていく作業は、想像以上に難しかったです。

また次回の記事でお会いできるのを楽しみにしています。