おはようございます。9期生の室井です。

今回は〈自己〉がテーマです。

本文では日本人なら一度は見たことがある宮崎駿監督の『千と千尋の神隠し』を題材に解説を進めていこうと思います。

議論の流れ

今回のゼミでは以下の大論点と結論を設定して議論を進めていきました。

大論点：『千と千尋の神隠し』における自己の役割とはなにか？

結論：現実と異なる世界に迷い込むという経験から、これまでの自分を失い、新たな　自己を獲得する。そして、主人公が世界の不思議を発見する驚きと、出会いの喜びと喪失の悲しみに満ちた旅路を提供する役割を持っている。

中論点１　越境

　今回の議論で外すことができない要素はこの「越境」です。

　越境とは、二つの隔てられた境界を主体が越えることを意味しています。

　この隔てられた二つの境界には様々な種類があり、「自己と他者、過去と現在、日常と夢」という風に対立したり、また相互に依存する多様な関係性で存在しています。また、空間を隔てる境界としては「トンネル、橋、会談、川、鉄道」などが待ちいられることが多いです。

今回の作品では主人公の千尋がトンネルを通ることで現実世界から越境し、異世界に迷い込むことで物語が動き出します。

越境には自己を変化させるという意味があり、千と千尋の神隠しでは異世界出の新たな出会いが新たな自己の形成を促します。

中論点2　名前　

　次に自己にとって重要なのは「名前」です。

　主体にとって名前とは自己と他者とのつねに移り変わり続ける力関係の指標となるものです。

　名前は、他者と自己を区分し、しかしながら、同時にある一定の文化圏においては特定の言語を通じて与えられるものです。つまり、名前とは主体の人生の当初において、あるいはその後も完全に自分だけの意思で切り離すことができないものであるということです。

　『千と千尋の神隠し』では、作品を通して「千尋」「ハク」「カオナシ」の三人の名前の役割を分析します。

　千尋の場合は、湯婆婆に名前をとられることで、失った自己を探すための旅路へ行く契機となる役割を果たしている。

　ハクの場合は、千尋との出会いによって「ミギハヤミ・コハクヌシ」という名前を取り戻す。これによって名前が自分の歴史と体験の記録であると同時に、他者と自己の相互確認の証明の役割を果たしている。

　カオナシの場合は、他者への思いを物質的な交換でしか表現できない存在であった彼が、力を失った後に他者から自己の価値を認識することで、名無しのまま自らのアイデンティティを獲得する役割を果たしている。

中論点3　主体の構築

　最後に、自己の持ち主である主体がどのように生まれるのか分析します。

　

　結論から言うと、主体という存在は他者との関係のうちにしか構築されません。

　以下はその論拠です。

①主体化

　まず初めに、アイデンティティを主題とする物語には、大人になりきれない少年少女が主人公のものが多いという点です。これは主体化という動作自体が「自分がどのような社会関係のうちに存在しているのか」を認識する過程のことであるからです。　そして、その主体化をするのは他者から呼びかけられたときです。

　また、主体化する過程において重要な要素は、主体が固定されたものでなく、多様な社会的差異の範疇（ジェンダー、階級、人種等）が複合的に作用することによって変化するという点です。

　『千と千尋の神隠し』での千尋という主体は、初めは内向的で臆病な少女でしたが、物語を通して、他者の呼びかけに答えていき、最終的に応答責任を持つ存在として主体を形成していきます。

②食べるということ

　次に、『千と千尋の神隠し』では、「食べる」という動作が多くみられます。

　食事とは生物の営みの一つですが、ここでは主体と他者との混交をもたらす過程として描かれています。そしてこれは主体が何かを食べる事によって自己を変容させるという意味があります。

　作品を通して、千尋の両親、言い換えると人間と豚は極めて近い関係として描かれています。さらに、ハクやカオナシは何かを食べることによって自己を変容させます。つまり、食べることは消費であると同時に自己の再生産であり、自己と他者の絆を確認する共同の営みでもあるのです。

黒澤明監督『生きる』　

★あらすじ

　市役所で市民課長を務める渡辺勘治は、かつて持っていた仕事への熱情を忘れ去り、毎日書類の山を相手に黙々と判子を押すだけの無気力な日々を送っていた。市役所内部は縄張り意識で縛られ、住民の陳情は市役所や市議会の中でたらい回しにされるなど、形式主義がはびこっていた。ある日、渡辺は体調不良のため休暇を取り、医師の診察を受ける。医師からは軽い胃潰瘍だと告げられるが、実際には胃癌にかかっていると悟り、余命いくばくもないと考える。その翌日、渡辺は市役所を辞めるつもりの部下の小田切とよと偶然に行き合う。渡辺は若い彼女の奔放な生き方、その生命力に惹かれる。自分が胃癌であることを伝えると、とよは自分が工場で作っている玩具を見せて「あなたも何か作ってみたら」と勧めた。その言葉に心を動かされた渡辺は「まだ出来ることがある」と気づき、次の日市役所に復帰する。

★分析

　今回のゼミでは、主人公渡辺が、「まだ出来ることがある」と気づく前後で、彼の事故がどのように変容したのかを分析しました。

気づく前

　消費者として、目標達成のために生きていた。→官僚制の中で自己を殺して中身のない主体として行動していた。

気づいた後

　自身の行動に自己の証明を見出し、他者のために何かを作ることで最終的に自分自身のアイデンティティに還元されると気づく。

　→つまり、パフォーマティビティを獲得することで主体を形成することになった。

　

結論

　作品『生きる』では、主人公渡辺が小田切という他者を通じて、空っぽな自己を自覚し、他者を通して自己を形成することに達成した物語である。という結論に至りました。

　今回のゼミの流れは以上です。

あとがき

　このブログ執筆にあたり、久しぶりに『千と千尋の神隠し』を視聴しました。

　「良きかな神様」がくれた団子、どう見ても体に悪そうです。

　千尋さんは普通に一口食べてましたが、皆さんは知らない人がくれたものを安易に口にしてはいけません。

　以上です。皆さんまた逢う日まで____

　

　

皆さんお久しぶりです。9期生の室井です。

投稿が遅れてしまい、大変申し訳ございませんでした。

現在11月中頃、秋をあっという間に通り越して肌寒い季節になってきました。

今回取り扱ったのは『film analysis 映画分析入門』の第1部第1章　構図です。

ここでいう「構図」とは、映像フレーム内での重要な要素の配置のことです。

例えば、映画を一時停止した際に現れる写真と似た何かのことで、しかしながら、写真と異なりその実態は人為的に構成された人為的要素から成り立っているものです。

議論の流れ

今回のゼミでは以下の大論点と結論について議論を進めました

大論点：「映画における構図とは何か？」

結論：注意深く人為的に配置された要素から成り立つもの。偶然映っているものはほぼ存在しない。（作り手が考えを伝え、ストーリーを語る際に重要となるもの。）

中論点1　フレームに関する要素

　まず、フレームにはタイトな（密集した）ものと、ルースな（まばらな）ものが存在します。前者には人物間の空洞をなくすことで抑圧的な意味を、後者には空虚な空間を作ることで脆弱性というテーマを表す意味を持っています。

　次に、フレーム内の配置についてです。通常、重要人物はフレーム中央もしくは上半分に配置され、その他の人物は下半分か端のほうに配置され、従属的な意味を持たされます。

　しかしながら、これらの配置の持つ意味は単一な者ではありません。例えば主人公の哀愁や感情移入のために周辺部にあえて配置される場合もあります。そのほかにも下方部の人物が犠牲者である暗示や、積極性のある人物を上下の端に設置する場合も存在します。

　最後に、フレーム内の占める空間配分についても意味があります。例えば、空間の多くを占めている人物はその他を支配している、という意味を持たせたり、さらには、何もない空間にも人物との対比を映して強調の意味を持たせることがあります。

※補足　前景と背景

→構図には前景と背景という要素が存在しています。前者には犠牲を払うという意味　　が、後者には人物を小さく映すことで不道徳という意味を持たせることがあります。

中論点2　シンメトリとアシンメトリ

　構図には秩序立っているシンメトリ（対照的）とアシンメトリ（非対称）の場合があります。特に、シンメトリの場合は要素をグループ分けする線が引けることが多く、三角形などの図形で示すことができます。

　シンメトリには統一や調和を意味することがあり、また作品によっては否定的な意味や厳密さ、そして融通の利かなさを意味することもあります。

　対してアシンメトリは、不道徳さや裏切り、嘘などの溢れるストーリーの中で、こうした性質を示すために非伝統的なものとして用いられることがあります。

この二つの構図は両方用いられる場合もあります。これらは組み合わされることで対立や緊張関係を意味します。

作品『ジョーカー』（2019年）

★簡単なあらすじ

舞台は1981年のゴッサム・シティ。大都市でありながらも、財政の崩壊により街には失業者や犯罪者があふれ、貧富の差は大きくなるばかり。そんな荒廃した街に住むアーサー・フレックは、ピエロとしてわずかな金を稼ぎながら、母親ペニーとつつましい生活を送っていた。しかし、アーサーには一流のコメディアンになるという夢があった。そんなある日、アーサーは同僚のランドルから受け取った拳銃を小児病棟の慰問中に落としてしまい、上司からクビを宣告される。さらにはその帰りの地下鉄で男三人に暴行を受けると反射的に銃殺してしまう…！

　今回のゼミでは作品『ジョーカー』を題材にこの「構図」を用いて分析を行いました。そして、構図のテーマの中でも「タイトとルースの対比構造」に注目し、議論を進めていきました。

　議論の流れで私たちは、社会から抑圧されてきたアーサーが、殺人を犯すことで権力からの解放を表す構図を探すことにしました。

　そして議論を進めていくと、あることに誰かが気付きました。

　それはゴミ袋の存在です。映画を通してアーサーの住む街には多くの黒いごみ袋が登場します。あらすじにもある通り彼の住む街は財政崩壊により治安が悪化しており、そこら中にゴミ袋が無造作に捨てられています。しかしながら、最後のアーサーがジョーカーとなって市民に崇められるフレームには一つもゴミ袋が登場しないのです！

　次に、私たちはゴミ袋をアーサーがジョーカーとなる前後で比較しました。

★タイトの時（ジョーカーになる前）

　→ゴミ袋は中に詰まっているゴミ（人々）を抑え込む権力である。人々は中身の見えない黒い袋に縛られて生きている。つまり、権力によって人々は「市民」として生きることを強制されて生きている状態である。

★ルースの時（ジョーカーになった後）

　→ゴミ袋が消え、中身のゴミ（人々）は目に見える形になって顕在し、むき出しの性として権力に抵抗を始めた状態になったのである。

結論

　以上のことから、私たちのゼミでは『ジョーカー』を、ジョーカーというむき出しの性を体現する存在を通して、権力に抑え込まれ捨てられてしまった性を市民が取り戻す物語である。

という結論に至りました。

　最近急に寒くなりました。秋が好きなので楽しみにしていたはずなのに、気がついたらもうこんな気温です。どなたか夏さんに労働基準法を教えてあげてください。残業しすぎですよ。

　秋服、買ったのになぁ…

寒い、寒すぎる。着る服困る。どうしよう

どうも、お久しぶりです。３回目の登場になります、宮澤です。

今回で、今学期の授業は終わり。４年春学期、最後のブログになります。（大トリだぁ）

いやそれにしても、皆さん。ほんっとうに、お久しぶりですね！

季節は冬に差し掛かり、服に困るほど寒くなってまいりました。

うん、おかしい、、、

春学期の最後の授業が終わったのは、夏休み前で。でも、今はめちゃくちゃ寒い、もう１１月だし。

これ示すのは、いかなることか。（お察しください）

ということで。最後の授業の余韻をかみしめながら（思い出しながら？）、ブログを書いていきたいと思います。

今回のゼミで扱った理論は、ジークフリートの『映画の理論』第12章演劇的なストーリー。作品は、『ロミオとジュリエット』です

【学習内容】

今回は、映画における演劇的なストーリーについて学習しました。

まず、演劇的なストーリーとは何でしょうか？

演劇的なストーリーの特徴は、主に２つあります。

１つ目は、登場人物や人間関係に対し、強い関心を向けること。そのため、プロットの中心は人間的な出来事や経験になり、その他の物理的な現実は省略されて表現されます。

２つ目は、イデオロギー的な１つの軸を中心に、物語全体が構成されており、閉じたストーリーであること。プルーストは、「戯曲の筋に寄与することのない一切のイメージを無視し、筋の目標を理解させてくれるようなイメージだけ残す」と述べています。

本理論書の中で、演劇的なストーリーは「非映画的なストーリー形式」と言い換えられています。簡単に言うと、演劇的なストーリーは、映画ととても相性が悪いということです。

では、なぜ両者の相性は最悪なのか？

ずばり！演劇の特徴と、映画の特徴は真逆だからです。上記で学習したように、演劇は、イデオロギー的な閉じたストーリーを重視し、登場人物や人間関係以外の描写を軽視する傾向があります。そのため「ストーリー＞映像」という構造を持ち、ストーリー・登場人物・人間関係に関係のない、物理的な描写や無機物の描写がされることはありません。

一方、映画は、「映像＞ストーリー」という構造を持ち、舞台上で認められない一時的な印象や関係を表現する傾向があります。例えば、登場人物が悲しんでいる場面に、雨が降っている空の場面を差しはさむなど。

演劇的な観点から見れば、雨（無機物）と登場人物は何の関係もないため、雨の描写は必要ありません。しかし、映画的な観点からみると、雨（無機物）は、登場人物の悲しみを間接的に表現することができる素材であるため、あえて描写する必要があるということです。

このように、演劇と映画は相反する特徴があり、とても相性が悪いのです、、、泣

そんな、仲の悪ーい演劇と映画。ところがどっこい、映画に演劇的なストーリーを組み込んじゃおという試みがされたことがあります。例えば、1908年『ギーズ公の暗殺』がその代表です。

この時代には、映画という媒体は、他の媒体に比べて軽視される傾向がありました。映画は、芸術ではなく、大衆向けの単なる娯楽という認識しかされていなかったのです。そのため、映画作品の名誉回復を目指し、ブルジョアの好む演劇と同じ路線を踏襲しようとしたらしいです

そんなこんなで、演劇的なストーリーを映画に適合させるため、様々な方法が実践されました。しかし、いずれも両者の間にある矛盾を解消することはできなかったようです。

以上の学習から、演劇的なストーリーと映画的な説話が、相容れることは決してないという結論に至りました。しかし、両者には相容れない矛盾があることを理解することが、何よりも大事なのかもしれませんね

【作品分析】

以上の学習内容を踏まえて、『ロミオとジュリエット』はどのような作品だと言えるでしょうか。

私たちは、映画版の演劇を見たい観客に向けて作られた作品であると結論づけました。具体的には、演劇が大好きなブルジョア層に向けて作られた作品だと考えます。

本作の大半の場面は、ストーリーに沿って構成されています。そのため、原作に忠実に作られているということもあり「ストーリー＞映像」という構造を持つ、演劇的なストーリーの映画と言えるでしょう。

しかし、所々に映画的な要素が散りばめられているのも、本作の特徴です。例えば、ロミオとジュリエットがダンスをする場面では、登場人物と一緒にカメラ（観客の視点）がぐるぐる回るような演出がされています。また、ジュリエットが牧師から薬をもらう場面では、ジュリエットと牧師の顔が交互に映される演出がされています。これらのカメラワークは、演劇にはない、映画的な要素だと言えます。

また、ロミオとジュリエットが城で出会う場面では、演劇的要素と映画的要素が混在していると考えられます。この場面において、ロミオとジュリエットの台詞は、原作に沿っており、演劇的です。しかし、背景の城や木々は、リアルな無機物を扱っており、映画的です。

このように『ロミオとジュリエット』は、演劇的ストーリーを主軸にしつつ、映画の技法を用いることで、物理的な現実を反映した映画的な側面もある作品であると考えられます。

以上の分析を踏まえ、私たちは以下の結論を導きました。

結論：「ストーリー＞映像」という演劇的な要素を重視しつつ、映画的な要素があることから、『ロミオとジュリエット』は映画版の演劇を見たい観客に向けて作られた作品である。

４年春学期最後のブログはここまで！

次のブログがあるとしたら、３月の研究成果発表会になるかとおもいます

その頃はもう、入社間近。（まじか）

これが宮澤最後のブログかもしれませんが、いつか再びお会いできればと思います。

では、最後になるかもしれないので、引退するアイドルみたいに退場させてください

私のことは嫌いでも、ゼミのことは嫌いにならないでください！！！

また会う日まで。アディオス